The Paradox Review is calling for Submissions

the unknown

“Be part of this wonderful collaborative effort! We are looking for creative expression of any kind to submit.
​As the title implies, this issue will be exploring ‘the unknown’ as a guiding principle for the exploration of the paradox of life.
‘Exploring the unknown’ is a concept which is often faced with panic and terror. However, here at The Paradox Review, we believe that the unknown represents a kind of freedom which is illuminated by creative expression.
This is what this literary journal is all about. Exploring the unknown within our body, mind and soul and sharing it with anyone interested in seeing the world in a new light. The unknown does not have to be frightening. Let’s open our minds to let it liberate us!”

​THE PARADOX REVIEW is a literary review and blog which seeks to promote creative expression of all types.
​We believe in the fundamental truth that existence is ruled by absurdity & that creative expression is the only way to reconcile
​human emotion & everyday life.

​We don’t believe in rules or limitations of any kind and hope to ultimately become a playground for the inner child within every human,
​every artist.

We are specifically interested in articles, personal essays, poetry & prose, as well as art & photography which deals with topics such as culture, philosophy & psychology which offers new ways of looking at the contradictions of the human experience.


We believe in the value of creative expression! Not only its cultural and historical relevance but also its personal, therapeutic value.
​In a world of absurdity and contradiction, creative expression is a way to make sense of the senseless.
​Join us on our path to embrace the paradox of existence by sending us your work.

Do you want to submit


​​We read blind! We don’t care who you are, because we believe everyone has something beautiful to say!
So please title your email subject line “Name of your work – Genre (Poetry/Prose/Art/Photography)”.
​We don’t work with previously published content. This includes blogs, personal websites and social media.
​However, we are happy to include previously published work in our blog!
All rights revert to author upon publication in THE PARADOX REVIEW.
THE PARADOX REVIEW retains first electronic rights to all work and retains the right to archive the work on our website online.
Simultaneous submissions are accepted, but we request that you to let us know at the earliest if your work is accepted for publication elsewhere.

All responses of acceptance and rejection will be sent 3 weeks after the submission deadline.
Submission Deadline for the Spring Issue of  “Exploring the Unknown” (our literary journal) is January 31st 2018!


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Empowerment and Protest in Kendrick Lamar’s “To Pimp a Butterfly”



“When the four corners of this cocoon collide
You’ll slip through the cracks hopin’ that you’ll survive
Gather your wit, take a deep look inside
Are you really who they idolize?
To pimp a butterfly”

In a 2015 interview with MTV, young Compton rapper Kendrick Lamar introduced his third LP To Pimp a Butterfly. Excited to hear that someone had figured out the significance of the album title To Pimp a Butterfly, which was initially supposed to be called “Tu Pimp a Caterpillar”, he says: “That was the original name […] because the abbreviation was Tupac, Tu.P.A.C” (Markman 2). So, what overwhelmed his desire to honor his idol Tupac Shakur, whom he symbolically interviews in the song Mortal Man? Markman quotes Lamar as saying,
“[M]e changing it to Butterfly, I just really wanted to show the brightness of life and the word pimp has so much aggression and that represents several things. For me, it represents using my celebrity for good. Another reason is, not being pimped by the industry through my celebrity.” (7)
Lamar’s album is a personal journey. It’s an embodiment of a personal struggle which resonates an internal conflict brought on by external forces. And, above all, it’s a blueprint for a possible path to empowerment. But how is empowerment achieved? This question can and will not be answered by this thesis. However, attempts will be made to outline Lamar’s approach.
Empowerment and protest are not mutually exclusive. Perhaps it can even be claimed, that a personal journey of empowerment builds the foundation for any further cultural protest, while a ‘protesting’ of internal and external forces, which are the influencing factors behind individual conditioning, are necessary to achieve empowerment. Consequently, the two interlinked themes of protest and empowerment are common in rap music, a creative style which can be foundationally linked to those two subjects. African-American cultural protest is rooted in a history of injustice and persecution, throughout which, music has been a platform for creative expression, used to uplift, to cope, to educate, and, thereby, to empower. More than just aiding in the heightening of one’s self-confidence, however, empowerment has the potential to lead to a greater cultural consciousness as well: a cultural consciousness of resistance, built on an identity which is upheld unapologetically, thereby directly linking it to active protest and social change.
Lamar’s critically acclaimed album has been described as an enormous success. Produced by high-profile hip hop producers such as Dr. Dre, Sounwave, Terrace Martin and many others, released by Top Dawg Records, Aftermath Records and Interscope Records and recorded in studios all over the United States, the album is versatile and multi-layered in many ways. More than just highlighting the political and social discontentment of contemporary African-American communities, it is the assertion of this thesis, that the lyrical content of Lamar’s album engages in complex structural break-downs, which systematically unfold levels of political and social relevance on, both, a personal level, and, almost by default, on a cultural level. These break-downs are based on a concept of duality:
[Lamar] frequently raps about the duality of his life, a hero for all of hip-hop, but also a man with faults. These faults are visible in his music, every boastful line of success can be accompanied by a line declaring his fear of judgement. (Bowman 1)
Stylistically, To Pimp a Butterfly has been referred to as an “ambitious avant-jazz-rap statement” (Helman 1), due to its specific sound which draws on jazz and funk music, and flaunts its innovative use of poetics and vernacular. Lamar’s work also incorporates spoken word poetry, which clearly sets it apart from many other rap albums. Casey Michael Henry of The Los Angeles Book Review defines the album as, both, original, as well as being a contemporary revival of African-American postmodernism when he calls it the “fully realized apotheosis of a new kind of postmodern rap ‘mega’ or ‘concept’ album” (2) in his 2015 review.
Lyrically, To Pimp a Butterfly describes not only Lamar’s personal journey of empowerment, but also a desire for a more self-aware cultural consciousness of resistance. This entanglement of subjects is highlighted by juxtaposed themes, which are divided into three steps of development. Lamar shares his path with his listeners, while warning of those external and internal influences which seek to keep young African-Americans from the kind of inner reflection which has the potential to end in an empowered movement. Lamar’s personal journey of empowerment, “from cocoon to butterfly”, as implied in the title of this thesis, and used throughout the album as metaphors for developmental stages, is directly linked to the theme of cultural protest outlined by the metaphor “from Compton to Congress”, implying its social impact.
In brief, it is the assertion of this thesis, that the lyrical content, and the specific use of vernacular, poetics and musical style in Kendrick Lamar’s 2015 album To Pimp a Butterfly highlight a tripartite development towards an empowered African-American identity in the form of Lamar’s personal journey, which is achieved by juxtaposing several binary themes which are comprised of a dual perspective at interrelated subjects which are all tied to the two overarching concepts of protest and empowerment. Therefore, it is the aim of this research paper to investigate Lamar’s creative expression in To Pimp a Butterfly with a focus on the vernacular, poetics, and musical style, as well as exploring patterns to be found in the lyrical content and the two spoken word poems of the album representative of 1) interlinked binary relations and 2) tripartite developmental stages towards empowerment.

read the rest here!


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Ein Leben im Korsett – Gumbrecht’s Thesen und OK Kids “Menschen”


OK Kid ist eine vom Hip-Hop, und sowie der Name schon erahnen lässt, Indie-Rock(1)beeinflusste Popgruppe aus Gießen, deren kulturrelevante Gesellschaftskritik hinter sprachlicher Meisterhand – Verbildlichungen und Metaphern – sowie ästhetisch attraktiven High-Definition-YouTube Musikclips verborgen liegt. Jonas Schubert, Rafaell Kühle und Moritz Rech sind Kindheitsfreunde. Schon in Gießen verbrachten sie ihre Zeit damit zusammen ‚Graffiti Battles‘ und ‚Freestyle Sessions‘ zu organisieren und Musik zu machen. So entstand auch die Gruppe Jona:S, welche dann getrennte Wege ging als drei der Mitglieder nach Köln zogen und mit OK Kid bei Four Records ihr erstes Album herausbrachten. Zuerst trat die Band dann beim Bundesvision-Song-Contest mit ihrem Song Unterwasserliebe an.(2) Es war jedoch erst als der dritte Song Gute Menschen auf YouTube zu finden war, dass OK Kid sich als ein kulturanalytisches Genie entpuppte. Vice beschreibt OK Kids Song in ihrem 2016 Artikel, wie folgt: OK KID, eine der wenigen deutschsingenden Bands, die man überhaupt ernst nehmen kann, haben gerade ein Musikvideo veröffentlicht, das in der großen Masse an Videoclips, die im YouTube-Meer schwimmen, deutlich heraussticht.(3)
Dies verdeutlicht das was ich, persönlich, empfand, als ich den Musikclip sah. Mehr als nur ästhetisch ist Gute Menschen jedoch auch ein politisches Statement, welches sich mit mehreren gegenwärtigen Themen kritisch auseinandersetzt: Mit dem Kommentar zum Gutmenschsein und zur ekelhaften Doppelmoral unserer Gesellschaft trifft die Band einen Nerv, der von Musikern nur selten so treffsicher erfühlt wird. Auch der düstere Beat, […], spricht Bände über die Zerrissenheit im Gewissen all der guten Menschen.(4) Das gegenwärtige Thema der Flüchtlingskrise bietet einen Einblick in weitere Themengebiete, welche „die gesamte deutsche Grundhaltung“(5) in Frage stellen. So vertritt Gute Menschen einen kulturkritischen Teil der Pop-Kultur. Die Zusammenarbeit zwischen Musik, Lyrics und Musikclip hat dabei eine ganz bestimmte Wirkung. Sie produziert eine Atmosphäre und überliefert Sinneszustände. Nach Gumbrecht würde dies als Produktion von Präsenz bezeichnet, welche durch die einflussreichen Aspekte des Gegenstands, also der Materialität des Kunstwerks erschaffen wird.(6) Gegenstand der Analyse ist OK Kids Gute Menschen, als Song und als Musikclip. Unter Einbezug von Gumbrechts Thesen soll also die Materialität der Kommunikation des Songs und des Clips herausgearbeitet werden. Dazu muss jedoch vorerst der Forschungsstand zu sämtlichen theoretischen Einflüssen erörtert werden. Daher werden im nächsten Teil dieser Analyse Gumbrechts Thesen zur Materialität der Kommunikation, die Grundbegriffe Pop-Kultur und Musikclip sowie relevante Aspekte der Pop-Kultur in Bezug auf Performanz und Intermedialität erörtert, welche dazu dienen werden der Analyse einen Hintergrund zu erbauen, vor dem sämtliche Aspekte gelesen werden können. Im Endeffekt werden all diese Teilgebiete dazu dienen zu zeigen, dass OK Kids Gute Menschen, mit Hilfe von Aspekten der Performanz, und Intermedialität, damit also durch den ästhetischen Aufbau, eine Konstriktion kommuniziert, welche eine materielle Gegenwart einer Ästhetik des Versteckten konzipiert.

1 Der Name Ok Kid setzt sich zusammen aus den beiden Radiohead Alben Kid A und OK Computer, welche alle Mitglieder der Band unter ihren Lieblingsalben wiederfanden.

2 Zugang: 26.07.2017

3 Zugang: 26.07.2017

4 Zugang: 26.07.2017

5 Anonym: Gießener Band OK Kid wird politisch: Video und Song „Gute Menschen“ auf Youtube. Gießener Anzeiger, 18 Nov 2015. Online. 26. Mai 2017.

6 Gumbrecht, Diesseits der Hermeneutik, S. 11




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Probleme der Definition und der Abgrenzung von Umgangssprache. Antworten auf „Danke“ in der Region Bremen / Niedersachsen

Das Wort ‚Umgangssprache‘ ist im Duden, wie folgt, definiert:
1. (Sprachwissenschaft) Sprache, die im täglichen Umgang mit anderen Menschen verwendet wird; nicht der Standardsprache entsprechende, aber weitgehend akzeptierte, meist gesprochene überregionale Sprache
2. Sprache, in der eine Gruppe miteinander umgeht, sich unterhält
Diese Definition ist jedoch stark vereinfacht. Wenn man also als interessierter Mensch versucht zu verstehen, was Umgangssprache eigentlich ist, kommt man mit normalen Mitteln wie Internetseiten und auch Lexika nicht weit. Jedoch ermöglicht die oben zitierte Duden Definition wenigstens schon einmal einen Anschluss an die Sprachwissenschaft. Es wird behauptet, dass es sich in der Sprachwissenschaft hierbei um eine Sprache handelt, „die im täglichen Umgang mit Menschen verwendet wird“. Sieht man dies als dominanten Teil der Definition, so kann dem sicherlich eine Logik zugesprochen werden. ‚Umgangssprache‘ ist sicherlich die dominante, „meist gesprochene Sprache“. Nun steht man jedoch schon vor dem ersten Problem, wenn man eine Definition zu fixieren versucht. Denn diese „meist gesprochene Sprache“ ist auch manchmal geschrieben, so zum Beispiel in journalistischen Arbeiten und auch im Umgang mit anderen Medien. Nun kommt die Frage nach Einflüssen auf. Die Massenmedien haben Einfluss, so auch, zum Beispiel, bestimmte Gruppenverhältnisse. Daraus ergibt sich dann das zweite Problem. Wenn es eine Sprache ist, „in der eine Gruppe miteinander umgeht, sich unterhält“, dann muss man soziokulturelle sowie regionale Einflüsse auf die Gruppe in die Abgrenzung miteinbeziehen. Des Weiteren sollte geklärt werden was es denn überhaupt bedeutet, dass diese Umgangssprache „weitgehend akzeptiert“ ist. Von wem wird denn jetzt gesprochen? Wer „akzeptiert“ diese Sprache „weitgehend“? Und, wenn die Sprache „überregional“ ist, warum scheint sie sich denn so unterschiedlich zu verbreiten? All diese Fragen zeigen schon einmal das grundlegende Problem: Die deutsche Umgangssprache ist schwer definierbar. Und genau diese Tatsache soll anhand dieser Arbeit beispielhaft dargestellt werden.
Es wird also die Hypothese aufgestellt, dass die Problematik der Abgrenzung von Umgangssprache anhand des Beispiels von Höflichkeitsformen als Antwort auf „Danke“ in er Region Bremen/Niedersachsen klar erkennbar ist. Die regionalen Unterschiede sind nur schwer nachvollziehbar und die Unklarheit der bereits vorhandenen Definitionen unterstützt bei einer Festigung der Beispiele als Teil bestimmter Gruppen kaum. Es erscheint vergeblich, zu versuchen feste Definitionen zu erstellen und Abgrenzungen außerhalb grober Basiskategorien vorzunehmen, da die Sprache nicht nur zu vielen verschiedenen Einflüssen, sondern auch einer sich ständig wandelnden Bewegung von Umgangssprache und Dialekt zu Standardsprache, unterliegt.

Die vollständige Analyse hier:


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Apologetic Academics or Making a Case for Neutrality? – Another ‘Blackface’ Issue

Here is my summary of Richard Burt’s 2006 essay on the use of ‘blackface’ in the film Stage Beauty.
In the first two chapters of his 5 chapter-article “Backstage Pass(ing): Stage Beauty, Othello and the Makeup of Race”, Richard Burt details how the film Stage Beauty (Richard Eyre, 2004) sheds light on the issue of race by comparing it to the film Shakespeare in Love (John Madden, 1998).

First, he exposes the parallels between the two films: Both are utilizing the ‘play-within-the film’ category of cinema, both engage in genre-mixing of Shakespeare adaptation and romantic comedy and both show signs of artificial acting and specific scene selections common to these kinds of films. Furthermore, Stage Beauty recycles two of Shakespeare in Love’s actors and employs both UK and US actors throughout. Burt explains, however, that no matter how similar in artificiality, Stage Beauty implicitly thematises the issue of race and criticizes the common, color-blind racism of transnational Shakespeare adaptations.
The first chapter details the ways in which Stage Beauty differs in dealing with the race: Somewhat confusingly, Stage Beauty seems to emphasize ‘whiteness’, with Claire Danes’ face being artificially illuminated on the DVD cover as well as being stylistically made up to highlight her ‘white features’. This leads to the question of significance in regards to making Othello the play-within-the film, and therefore having to make the protagonist wear ‘blackface’ and then failing to explicitly address this issue in any way. However, Burt argues that the film does this,  strategically and more efficiently, by using implicit techniques. Burt criticizes previous attempts to integrate black actors in historically unfitting roles, which is what he calls “[…] export[ing] Shakespeare by recolonising post-colonial American Shakespeare” (55). By making use of ‘blackface’, alluding to a scene from Stuart Burge’s 1965 Othello, and utilizing cinematic methods to add meaning to ‘whiteness’ and ‘darkness’, Stage Beauty addresses the issue in a quite sincere way and therefore abstains from colour-blind racism.
In the second chapter, Burt extends on the first chapter’s assumptions by explaining that the film seems to engage in a type of self-parody: By highlighting its similarity to Shakespeare in Love and many other romantic comedies infused with Shakespeare citations, it shows its adversity to the “[…] present state of affairs” (57). This is done precisely by choosing Othello over other Shakespeare plays to be performed in the film, as well as disconnecting the love relationship in the play from the love relationship behind the scenes, and subtly mocking films like Shakespeare in love. This helps in pointing to the issue of race by putting itself in a position of being forced to use ‘blackface’. Burt notes, however, that, unfortunately, the use of these techniques also made it more likely that the film was not going to be as commercially successful as Shakespeare in Love. To sum up, Stage Beauty implicitly criticizes the habit of UK and US filmmakers of Shakespeare adaptations to attempt face-saving versions of colour-blind casting and cinematic techniques.

Okay, so…

my first thought when I read the first few words of the essay was “omfg, another apologetic academic trynna justify unjustifyable shit”. Honest truth. I do feel like much of his argument is based on strange assumptions. But is that really a helpful perspective? I almost put down the essay and gave up. But I decided not to ignore people’s ideas and perceptions and to give it a chance and I must say that I do get some of the validity of the argument.

As I have stressed before…what is the point of ignoring perspectives? Just because it is a sensitive and politically incorrect issue, should we really just ignore it? I think the solution is to listen to all sides and to keep an open mind. And I know some of you may even want to call me apologetic for that. But guess what? I just want an actual solution to a problem and I cannot handle being told to censor myself to please unreasonable feelings.

I don’t think this guy is right. I think he is misguided. But that doesn’t give me the right to silence him. Unless it is blatantly racist, I don’t see why I should deny myself the critical thought and deny the world the right to free speech and thought.

HOWEVER, here is the other side: ALL THOSE PEOPLE WHO ARE NOT EVEN GIVEN A CHANCE TO VOICE THEIR CONCERNS, THEIR VOICES ARE LEFT IN THE BACKGROUND, IF AT ALL APPARENT. Those voices are those of people not privileged enough to make a case for themselves in an academic setting, usually based on racial background. Once again, we are placed in front of a race and class issue which should not exist.

And yea…I completely support the side that says “as long as most of academia is white, it seems unfair”. How do we solve this issue?

By finding and focussing on the actual culprit, which is and always has been the government and its messed up system promoting hierarchy, interpersonal divisions and psychological oppression.

And then….well…then we go from there.

Burt, Richard. “Backstage Pass(ing): Stage Beauty, Othello and the Makeup of Race.” Screening Shakespeare in the Twenty-First Century. Eds. Mark Thornton Burnett and Ramona Wray. Edinburgh: EUP Ltd, 2006. 53-71. Print.

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Should Past ‘White-Centric’ Misrepresentations of Blackness Be Erased from Academic Discourse? (A Summary)

Or do they serve the purpose of showing us what we do not want to repeat?

Here is one perspective:

Peter Holland, professor of Shakespeare Studies, and Associate Dean for the Arts at the University of Notre Dame, makes a somewhat troubling case for the much criticized ‘Blackface Othello’ played by Laurence Olivier in the 1965 film with the same title, in his essay Rethinking Blackness: The Case of Olivier’s “Othello”. 

At first glance it seems Holland wants us to support the notion that ‘Blackface Othello’ should be seen in a more positive light. Of course, this is difficult to do.


Holland explains that marketing of the film has always been completely focussed on Olivier and that it has been widely ignored within academic circles of Shakespeare studies. And while criticizing the production value of the film, as well as the director’s lack of experience regarding the cinematic field, he urges the reader to view the film in a new light.

Although Holland does not necessarily support the decision to use ‘blackface’, he speaks of Olivier as an actor who is used to transforming into the character he plays, which in this case meant a transformation into a black man, and that, in over-accentuating his version of ‘blackness’ with his over-the-top performance, Olivier helped shed light on the white perception of ‘Blackness’.

Examples of his exaggerated performance are the use of a made-up accent and walk as well as a ‘sexualisation’ of the character. As much as it is in itself racist to do so, Holland says that its illuminating effects of the white perception of what it is to be black exposes much of the racism which needs to be exposed and it is precisely that which makes it important not to neglect Olivier’s Othello from academic discourse.

This argument is given further credibility by comparing it to the opera performance Otello, where the character Othello is played by Placido Domingo, a white singer. Holland theorizes that the reason for this could be the inherently ‘imperialist audience’ which comes with opera production and questions the lack of interest in political correctness in the field.

Furthermore, an important parallel is constructed to F.R. Leavis’s depiction of the character Othello from his 1937 essay Diabolic Intellect and the Noble Hero. Holland defines Leavis’s perception of the character as predominantly ego-centrical, a perception which was later attached to Olivier and furthered by the claim that Olivier disregards Shakespearean poetry by tending to act out his own interpretation of the character more than the words.

However, Holland disagrees and asserts that it is likely that Olivier’s self-centred and over-the-top performance has helped construct the white perception of ‘blackness’ within the bounds of its own offensive racism and he stresses the significance of seeing the historical relevance in that fact.

I guess all I really got out of this is that, yes, we should not erase the past from our minds, and yes…just wanting something to be gone from our minds does not make it so.

Maybe it is actually important that, instead of constantly apologizing for the past and hoping for it to just be over, so that we, white people, can finally come out of the doghouse…maybe…just maybe….we should just look at it all in a real, and in a critical way. To really open our minds.

Just putting a band-aid on a broken leg usually doesn’t do the trick.

But, while it shouldn’t be erased from academic discourse, the fact that these things, which are being discussed, happened and happen…it still sucks and should be addressed as such. It seems a little insensitive and too apologetic to me to say “Olivier helped illuminate the white perception of Blackness”. He also helped ridicule a large group of people.

There is no way to go about this in a politically correct way, but that doesn’t mean we shouldn’t aim to be decent.

And let’s remember…. I really don’t see Black academics having the upper hand on the perception of whiteness, so….Maybe when there is an actual balance, then we can start acting like we are not up here on our highhorse flaunting our privilege.

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“Nur glückliche Orangen in der Saftpresse”

Präsenz am Beispiel von OK Kids „Gute Menschen“

Der Begriff der Präsenz nach Gumbrecht

Literaturwissenschaftler und Universitätsprofessor an der Standford University, Hans-Ulrich Gumbrecht, entwickelte in den 1990ern ein Forschungsgebiet, welches sich mit den Wirkungen der Materialität von Texten auseinandersetzt, wodurch sich anschließend auch das Konzept der Präsenz herausarbeiten lies. Mit Präsenz ist ein Gegenbegriff zum Sinn gemeint. (Sinn meint in diesem Fall nicht eine Omnipräsenz, sondern ein zeitliches Empfinden, welches auf einem gegenwärtigen Gefühlserlebnis basiert).[1] Gumbrecht beschreibt diese Art von körperlichem Erleben vollkommener Gegenwartsempfindung selbst in folgendem Zitat:

Was also präsent ist, befindet sich in unserer Reichweite, ist etwas, das wir berühren können und das wir unmittelbar mit den Sinnen wahrnehmen. Präsenz in diesem Sinne schließt natürlich die Zeitdimension nicht aus, bindet aber Zeit immer an einen Raum. Unter Präsenzbedingungen sind Bewegungen entweder schnell oder langsam […]. [2]

Gumbrecht beschreibt die Präsenz hier als eine Art Überladung der Körperlichkeit, und somit des räumlichen Empfindens über dem zeitlichen Empfinden. Auch steht der Begriff der Präsenz in direkter Opposition zu Derrida’s Dekonstruktion, dem Sprachlichen, sowie zur Hermeneutik, der Überbewertung der Interpretation. Mit Hinblick auf die Präsenz steht also das körperliche Empfinden bei der Erfahrung von Kunst im Vordergrund. Eingeleitet ist dieses körperliche Empfinden der Präsenz von der Materialität des Kunstwerks, welches die Räumlichkeit und Distanz zwischen Körpern darstellt. Somit wird etwas vorerst als in der Distanz erscheinendes sozusagen greifbar jedoch gleichzeitig niemals fixierbar gemacht. [3]

Man sollte bei der Analyse von Sprache in Bezug auf Präsenz, nach Gumbrecht zwischen sechs Zusammenhängen unterscheiden:

  • Präsenz als Ausdruck der Sprache von etwas, was der Körper selbst erfahren kann (Rhythmus).
  • Präsenz als Wunsch nach etwas Abwesenden, wobei das Begehren im Vordergrund steht.
  • Präsenz als etwas Abwesendes, wobei das ästhetische Erleben im Vordergrund steht.
  • Präsenz als eine Transformation des Geschriebenen, vom Wörtlichen zur Deixis, wobei das ‚auf-die-Worte zeigen‘ im Vordergrund steht.
  • Präsenz als Sprache des unerreichbarem Mystischen, wobei das ständige Scheitern dessen im Vordergrund steht.
  • Präsenz als literarische sowie räumliche Repräsentation der Epiphanie, wobei das Erzeugen von Effekten der Epiphanie im Vordergrund stehen. [4]

Zwischen den aufgelisteten Zusammenhängen soll nun, in der folgenden Kurzanalyse des Songtextes „Gute Menschen“ von OK Kid, unterschieden werden, um seine Präsenz herauszuarbeiten.

OK Kids „Gute Menschen“

OK Kid ist eine dreiköpfige Popgruppe aus der Region um Gießen, welche im Jahr 2014 am Bundesvision Song Contest teilnahm und den 9. Platz belegte. In Bezug auf den 2015 Song „Gute Menschen wurde die Band von dem Gießener Anzeiger, wie folgt, beschrieben:

Die Gießener Band “OK Kid” ist für ihre kritische und reflektierte Sicht auf die Welt bekannt – dass sie sich politisch äußert, ist allerdings ein Novum. [5]

Auch wird empfunden, dass der Song „die gesamte deutsche Grundhaltung infrage“ stellt. Neben den schon existenten Interpretationen, soll die folgende Kurzanalyse nun erörtern, ob und wie der Song es mit Hilfe seiner Lyrics schafft durch seine Materialität eine  Präsenz zu erzeugen.


In Bezug auf seinen Rhythmus kann behauptet werden, dass der Songtext vorerst zu einer sehr monotonen Übersetzung der Worte hinleitet. Auf diese Weise erzeugt er seinen eigenen Rhythmus, welches ein Gefühl des ‚Robotersein‘ auslöst. Ein körperliches Empfinden einer Art Enge wird, vor allem von der ersten Strophe, mit Hilfe der Sprachwahl erzeugt. So verleitet z.B. die Zeile „Ein Leben im Korsett“ und der Ausdruck des Verdrängens zu einer Art mentaler Atemnot. Die simplen oder gar nicht erst existierenden Reime erzeugen ein Gefühl des Un-authentischen, was an ‚Text-to-Voice‘ Computerprogramme der frühen 2000er erinnert:

Alles ist einfach, bist du einfach gestrickt
Kein Knoten im Kopf, nur ein Faden am Genick
Und dann ab Richtung Glückseligkeit
Ein Leben im Korsett
Ein guter Mensch verdrängt was er nicht weiß
. [6]

Das ‚Empfinden des Roboterseins‘ transformiert sich jedoch im Laufe des Textes: Die steigernde Ironie der Sprache verleitet in der letzten Strophe zum Gefühl der Wut:

Was, was homophob? (nein, nein, nein, nein, nein)
Sie sind da für kranke Menschen, auch Schwule kann man heilen
Eine Hand wäscht die andere rein
Brownies backen für die Hochzeit, Mohrenköpfe teilen
Und wenn im Sportlerheim die erste Strophe erklingt
Und das Brüderlein singt, ist das überhaupt nicht schlimm
Niemand schiebt hier irgendjemand ab
Alle lieben Aydin Döner – beste Soße der Stadt

In Bezug auf den Wunsch nach etwas Abwesenden kann behauptet werden, dass

der Songtext ein Gefühl der Enge veranlasst, was zu dem Begehren nach Luft, nach Atmung, oder sogar nach einer Befreiung, führt. Dies kann z.B. an Wort -und Phrasenwahl wie „Korsett“, „Faden am Genick“, „Orangen in der Saftpresse“, „rumlutschen bis zum Schluss“, in der ersten Strophe ausgemacht werden. Des Weiteren ist eine innere Leere zu spüren, welche von der fortlaufenden Ironie in zweiten Strophe veranlasst wird:

Nein sie sind keine Nazis, auch sie trinken Kaffee Togo
Auch sie waren schon im Urlaub, wo es Schwarze gab
Und am Vatertag lief sogar Roberto Blanco
Der ein wunderbarer Neger war, wo ist das Problem?

Somit wird auch das Deiktische in den Vordergrund gestellt. Die Worte selbst erscheinen als leer und wertlos. Die Leere der Worte erstreckt sich über den gesamten Songtext; Ausdrücke wie „glücklich“, „einfach“ und „gut“ erzeugen ein gegenteiliges Gefühl. Somit erfährt der Rezipient einen Kontrast, der sich im körperlichen Erlebnis der Leere ausdrückt.

Auch die Räumlichkeit der Epiphanie wird deutlich: Als Rezipient des Songtextes wird man einer ‚Ästhetik des versteckten Hässlichen‘ gegenübergestellt. Die Auseinandersetzung mit der eigenen Moralhaltung und die Hinterfragung der eigenen inneren Authentizität wird ‚erpresst‘, wodurch auch das Gefühl der Enge weiter in den Vordergrund gebracht wird. Auch wenn eine explizit, sprachliche Distanz zwischen Leser und Objekt der Beschreibung besteht, erfordert die Sprachwahl eine Auseinandersetzung mit der eigenen Authentizität. Die Epiphanie ist hier keine positive, sondern eine Art Spiegelung des Realistischen, ein Gefühl der Nacktheit, und des ‚in-den Spiegel-Sehens‘. Dieser Effekt wird vor allem vom Refrain erzeugt:

Ich weiß nicht was ihr seht, ich seh’ nur gute Menschen
Alle lieben Kinder, alle gehen Blut spenden
Und das letzte was man hier noch vermisst
Ist die Antwort auf die Frage warum alles bleibt wie’s ist

Ich weiß nicht was ihr habt
Ich sehe nur gute Menschen, die nichts Böses wollen
Nein, die nur an unsere Zukunft denken
Und wahrscheinlich werden sie es nie verstehen
Warum ich kotzen muss, wenn ich sie seh’

Bis hin zu den letzten zwei Zeilen des zweiten Refrains steht die innere Sicht im Vordergrund. Die spontane Umkehrung der Distanz, vom Internen zum Externen erzeugt hier einen räumlich bedingten Effekt des körperlichen Schocks. Es erscheint so als ob das, was äußerlich als erkennbar positiv erschien, nunmehr zum negativen wird, indem die Perspektive gewechselt wird. Die Ignoranz der eigenen Psyche, aus Sicht auf etwas intern Un-authentisches wird mit Hilfe von externer Perspektive sichtbar gemacht.


Zusammenfassend kann behauptet werden, dass OK Kids „Gute Menschen“ durch Kontrastierung vom Authentischen und Nicht-Authentischen, und vom Inneren und Äußeren eine ‚Ästhetik des Versteckten Hässlichen‘ erschafft, welches mit Hilfe von sprachlichen Einflüssen entblößt wird. Dadurch erfährt der Rezipient ein körperliches Empfinden der inneren Leere, sowie der inneren Enge, welche beide zu einem Wunsch nach Befreiung der Falschheit und einer Auseinandersetzung mit der Wahrhaftigkeit führen.


  • Hans Ulrich Gumbrecht: „Epiphanien“. In: Joachim Küpper/Christoph Menke (Hg): Dimensionen ästhetischer Erfahrung, Frankfurt am Main 2003, S. 117-139.
  • Hans Ulrich Gumbrecht: Lob des Sports. Übersetzt von: Georg Deggerich. Suhrkap Verlag: Frankfurt am Main 2005, S. 41.
  • Hans Ulrich Gumbrecht: Diesseits der Hermeneutik: Über die Produktion von Präsenz. Übersetzt von: Joachim Schulte. Suhrkamp Verlag: Berlin, S. 77.
  • Hans Ulrich Gumbrecht: “Präsenz in der Sprache.” In: Unsere Breite Gegenwart. Übersetzt von: Frank Born. Suhrkamp Verlag: Berlin, 2010.
  • Anonym: Gießener Band OK Kid wird politisch: Video und Song „Gute Menschen“ auf Youtub Gießener Anzeiger, 18 Nov 2015. Online. 26. Mai 2017.
  • OK KID: Gute Menschen. Zwei. 10 Oktober 2015. Four Music.


[1] Hans Ulrich Gumbrecht: „Epiphanien“. In: Joachim Küpper/Christoph Menke (Hg.): Dimensionen ästhetischer Erfahrung, Frankfurt am Main 2003, S. 117-139.

[2] Hans Ulrich Gumbrecht: Lob des Sports. Übersetzt von: Georg Deggerich. Suhrkap Verlag: Frankfurt am Main 2005, S. 41.

[3] Hans Ulrich Gumbrecht: Diesseits der Hermeneutik: Über die Produktion von Präsenz. Übersetzt von: Joachim Schulte. Suhrkamp Verlag: Berlin, S. 77.

[4] Hans Ulrich Gumbrecht: “Präsenz in der Sprache.” In: Unsere Breite Gegenwart. Übersetzt von: Frank Born. Suhrkamp Verlag: Berlin, 2010.

[5] Anonym: Gießener Band OK Kid wird politisch: Video und Song „Gute Menschen“ auf Youtube. Gießener Anzeiger, 18 Nov 2015. Online. 26. Mai 2017.

[6] Songtext im Anhang

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